Entrevista a Thomaz Albornoz Neves - Especiaria

 

Thomaz Albornoz Neves escreveu:Encontrando Franchetti para a Especiaria

Construir uma entrevista, nos termos que me proponho nessa série para a Especiaria, exige, mais que mergulhar na obra do entrevistado, encontrar perguntas que permitam entrar no que vem antes de cada livro, é dizer, na pessoa que está antes do escritor.

Não é fácil, confesso, evitar as aproximações convencionais às questões literárias tendo por assunto a criação literária. Não é fácil saber até que ponto sou bem-sucedido. Expresso aqui a minha intenção, não o que alcancei realizar.

Outra preocupação que trago à revista é escolher autores da minha geração, é dizer, autores cuja formação moderna enfrenta um mundo que hoje se desmancha não tanto no ar quanto na rede. Assim foi com o espanhol Misael Ruiz, com o uruguaio Rafael Coutoisie e é agora com o nosso Paulo.

De resto, não é demais mencionar que quando esses poetas falam de si iluminam o seu tempo. Para ler a entrevista completa clique no link.

***

Paulo Elias Allane Franchetti (Matão, 1954) é um crítico literário, escritor e professor brasileiro, titular no Departamento de Teoria Literária da Universidade Estadual de Campinas (Unicamp). É mestre pela Unicamp, doutor pela USP e livre-docente pela Unicamp. De 2002 a 2013 dirigiu a Editora da Unicamp. Aposentou-se em 2015.

Apesar da apresentação de verbete, suspeito ser o poeta em Franchetti quem rege seus interesses. Como se a poesia fosse o substrato da sua crítica, docência, editoria e tradução. Mas não apenas. Paulo Elias se desdobra, tem, inclusive, outros nomes. Notável haijin brasileiro, foi batizado “Ento” por seu padrinho no ofício, o japonês H. Masuda Goga, ocasião em que se tornou quarto grau na linhagem direta de Shiki. Já para a sua comunidade H.O.G., é Papito Rider, o motociclista autor de Viagens Longas de Motocicleta: Um manual prático para iniciantes (Casa Publicadora Brasileira, 2021) e de A Mão do Deserto (Ateliê Editorial, 2021), memória dos 11 mil kms percorridos de São Paulo ao deserto de Atacama.

Não é um mau instantâneo esse: o último da linhagem de Shiki sendo mais um capacete no comboio de V-Twins.

p.s.

Além disso tudo é um amigo querido.

ESPECIARIA.ART.BR

Encontrando Franchetti - Especiaria

Paulo Franchetti, Matão - SP | O escritor, professor e crítico fala à Especiaria sobre literatura e sua trajetória. Acompanha um seleção de seus livros.

Sobre o corte no haicai

Ao longo dos anos de estudo e convivência com o haicai, percebi que sentimos, muitas vezes, a necessidade de definições práticas quanto à estrutura. É verdade que existem características formais que permitem definir um texto como haicai – e que ajudam na produção do efeito de sentido que reconhecemos como “sabor de haicai”. No entanto, sempre me pareceu que, mais do que qualquer traço formal, é esse “sabor”, essa qualidade difícil de nomear, mas inconfundível quando presente, o que realmente importa.

As prescrições formais cumprem um papel importante na aprendizagem: são balizas iniciais, como as rodinhas de uma bicicleta para crianças. Mas tornam-se limitadoras, quase grades, quando se acredita que o haicai só se realiza plenamente dentro de seus limites rígidos. Aquilo que o haicai tem de mais específico e valioso para nós, ocidentais, não depende dessas convenções.

Uma questão que mais me parece muito importante é a compreensão do corte. Não o corte tipográfico entre os versos, mas o corte interno, estrutural, que articula o haicai e lhe dá profundidade.

Frequentemente, pensamos no corte como sinal gráfico ou pontuação. Mas nem sempre é assim. Há haicais inteiramente fluentes, construídos em uma única frase, que funcionam de maneira exemplar: impactam, evocam imagens, e nos tocam com força e sutileza. Ao contrário, há muitos haicais em que o uso automático do corte gráfico afasta o leitor da experiência poética e empobrece o resultado.

Versos estruturados sobre gerúndios – cuja rejeição, aliás, me parece sem sentido –, frases que denotam uma ação completa, trechos que delimitam um lugar específico, entre outras construções sutis, também podem instaurar a necessária justaposição entre planos, tempos ou sensações, abrindo espaço para a imaginação e para a projeção do espírito do leitor na cena.
Tenho refletido bastante sobre esses pontos nos últimos dias, preparando-me para conduzir uma oficina de haicai.

Nesse tipo de atividade, mais do que transmitir um conjunto de regras que possam parecer atalhos (mas que acabam estreitando e empobrecendo a experiência), sempre procurei apresentar o caminho mais lento: o da escuta e da atenção às formas da percepção. Um caminho em que o espírito, sem se preocupar com regras ou forma do poema, projetando-se sobre o real, colhe dele apenas o que lhe corresponde, e transforma essa colheita em gesto poético – ou seja, em haicai.

apa epa ipa opa upa

 Encontrei, certa vez, numa antologia, um soneto que o Padre Vieira fez ao seu irmão Bernardo. Era “em consoantes forçadas”, ou seja, com as rimas já determinadas. Na verdade, uma resposta a um soneto de Bernardo. Como pretexto ou mesmo resposta ao de Bernardo, também há um atribuído a Gregório – que foi seu amigo e depois inimigo, como costumava acontecer. Naquele tempo, meu parceiro abandonara a literatura contemporânea em que começáramos juntos, e passou a viver enfurnado nas leituras padrescas e teológicas. 

Resolvido a  orientá-lo em outra direção, enviei-lhe isto:

 

“Para Alcir Pécora, leitor de padres,

com o fito de o reconduzir ao bom caminho

 

Vieira disse:

 

Vê, Bernardo, da eternidade o mapa,

Deixa do velho Adão a geral cepa,

Pelo lenho da cruz ao Empíreo trepa,

Começando em Belém na pobre lapa.

 

Mais que rei pode ser, e mais que papa,

Quem de seu coração vícios decepa;

Que a grenha de Sansão toda é carepa,

E a guadanha da morte tudo rapa.

 

A dor da vida se é na cor tulipa,

De seus anos também se faz garlopa,

Que os corta, como o mar corta a chalupa.

 

Não há mister, que o ferro corte a tripa,

Se na parte vital o fato topa

Em apa, epa, ipa, opa e upa.

 

 

“Eu, seu amigo, lhe digo:

 

Se quiser ter um aprazível mapa,

Desse padre abandone a velha cepa,

Pois o mundo é melhor para quem trepa,

Quer viva nos Jardins, quer lá na Lapa.

 

É melhor ser mendigo que ser papa,

Pois, sendo boa, a fé o tesão decepa,

E nos pentelhos sobra só carepa,

Se numa xota o pinto não se rapa.

 

Eis o mapa: alguma úmida tulipa,

Um beiço ávido, que se faz garlopa,

E um pinto como um mastro de chalupa.

 

E vez por outra adentre pela tripa,

Pela boca e onde mais a pica topa

Em apa, epa, ipa, opa ou upa!”

Pós-moderno e pós-utópico

 ***

Nietzsche já advertia para os malefícios da consciência histórica exacerbada na modernidade. Na sua modernidade – aquela do século XIX, quando os primeiros sintomas dessa patologia temporal se manifestavam com clareza. Não poderia imaginar, contudo, a intensidade apocalíptica que essa mesma consciência assumiria no século seguinte, transformando-se numa obsessão que definiria não apenas a arte, mas toda a experiência cultural contemporânea.

A consciência histórica passa a integrar a própria definição do que é ser moderno, constituindo seu núcleo de identidade mais profundo. Esse fenômeno se consolida a partir do momento em que a arte já não se contenta em ser parte orgânica de uma tradição ou em representar sua continuidade natural. Ao contrário, ela se pretende destruição sistemática do passado ou antecipação febril do futuro. Muitas vezes, de forma mais intensa e confusa, as duas operações simultaneamente – numa dialética perversa que consome tanto a herança quanto a promessa.

O presente passa a não bastar por si mesmo, tornando-se mero intervalo, espaço vazio entre o que foi rejeitado e o que ainda não chegou. A modernidade não basta, a moda não basta, o contemporâneo revela-se insuficiente. A consciência histórica exacerbada quer ser não apenas testemunha, mas arquiteta do futuro. Quer antecipá-lo no presente, forjá-lo através da negação do que existe. O movimento revela, porém, uma aporia fundamental: a dinâmica da arte moderna baseia-se na antecipação perpétua do futuro, no desejo de ser eterna vanguarda, mas nenhuma antecipação efetivamente se converte em futuro de fato – apenas em passado de uma nova antecipação, numa cadeia infinita de superações que não superam nada.

Cada gesto de ruptura nasce já envelhecido, carregando em si o germe de sua própria obsolescência. O que hoje se proclama revolucionário, amanhã será tradição a ser destroçada. Assim, o trânsito é vertiginosamente rápido da utopia à frustração, acompanhado pela consciência da senectude implícita no próprio movimento fatal de antecipação do futuro. A vanguarda devora a si mesma numa velocidade crescente, produzindo não o novo, mas a repetição compulsiva do gesto de negar.

Para a literatura, que possui sobre as artes plásticas a ambígua vantagem de não se submeter diretamente a uma avaliação de valor monetário – libertando-se parcialmente das pressões do mercado, mas perdendo critérios objetivos de validação –, o impasse se aprofunda. Se o presente não basta e o futuro não chega, restando sempre como promessa não cumprida, o passado torna-se um fardo insuportável. Não um tesouro a ser preservado ou um diálogo a ser mantido, mas um peso morto que impede o voo.

Daí que a cultura contemporânea erga altares ao passado paradoxalmente tentando sepultá-lo, numa cerimônia fúnebre que é também ato de adoração. Apresenta-se como pós-moderna, definindo-se não por aquilo que é, mas por aquilo que nega ou supera. O prefixo "pós" torna-se a marca registrada de uma época que não consegue nomear-se positivamente. Reconhecendo forçadamente o papel utópico embutido na própria pós-modernidade – pois a utopia de superar o moderno pelo meramente hodierno não consegue desgrudar-se dele, permanecendo presa ao que nega –, a cultura cria então a utopia do pós-utópico.

O pós-utópico emerge como uma forma desesperada de afirmar a superação definitiva não apenas do passado, mas de todas as balizas, de todo horizonte de expectativa. É a tentativa final de romper com a própria lógica da superação, superando-a. Mas ao ser "pós", ao definir-se estruturalmente como posterior a algo, desloca inevitavelmente para esse algo o peso da referência e da significação. Nesse sentido, constitui uma abdicação do futuro precisamente por meio do anseio mais desesperado de futuro – uma contradição que revela sua impossibilidade intrínseca.

O pós-moderno e o pós-utópico configuram-se, assim, como os últimos desdobramentos da lógica vanguardista, porém agora operando em negativo. Não mais a afirmação heroica do novo, mas a confissão melancólica de que o novo se tornou impossível. São movimentos que carregam em si a marca de uma derrota histórica: a incapacidade de criar formas genuinamente contemporâneas de experiência estética e cultural que não dependam da negação ou da nostalgia.

Esta é, talvez, a verdadeira crise da modernidade tardia: não conseguir habitar o presente sem destruí-lo ou museificá-lo, não conseguir imaginar o futuro sem repeti-lo como farsa do passado, não conseguir honrar a tradição sem mumificá-la. O resultado é uma cultura que gira em falso, alimentando-se da própria impossibilidade, transformando a crise em espetáculo e o impasse em identidade.

 

Poesia é risco - Diego Pansani

 A Livraria Candeeiro é um lugar mágico. Uma casinha onde a cultura pulsa em várias formas e os encontros acontecem. Conheci ontem lá a artista Valéria Scornaienchi e o poeta Diego Pansani e voltei com seus livros. Dela, o caderno de artista "Agora eu ouço os sabiás"; dele, "Poesia é risco". Ainda não ouvi os sabiás da Valéria, mas já vi o riscado do Diego.

É um livro bonito, de folhas destacáveis, impressas de um só lado. A ideia, eu creio, é oferecê-las avulsamente aos amigos. Coisa pouco provável. De qualquer forma, destaquei a que traz o título do livro e abre a seção "Poética" do livro. Foi divertido, mas logo me arrependi de ter assim profanado o livro profanável.

Fiquei sabendo que o tipo de arte aqui praticado por Diego tem um nome: blecaute. Ou blackout poetry.

No posfácio do livro, Paulo Ferraz diz que a poética de Diego é uma poética da subtração. Concordo. Mas não concordo tanto quando diz que ela pode ser compreendida como uma "poética negativa" ou como uma "antipoética". Talvez em certo sentido, mas não no principal, do meu ponto de vista.

Sucede que o procedimento é o que se vê nas fotos: o poeta escolhe uma vítima – digo: um poema – e ataca de caneta ou marcador. Não subtrai propriamente as palavras do outro, mas as cancela, apaga. Às vezes deixa entrever o cancelado; outras vezes, não. Às vezes deixa o título do finado poema à vista, ou uma marca editorial; outras vezes apaga os rastros todos, o que permite suspeitar que haja ali alguma outra transgressão, qual seja a de não haver nada embaixo das faixas de tinta. Quero dizer: é possível que o cancelamento em alguns casos seja falso e nada haja embaixo do risco.

O autor me disse que ali haveria haicais malabaristas. E é verdade que o espírito do haicai pairou sobre estas águas rabiscadas. E malabarista é o poeta, saltando de palavra em palavra de um poema alheio para dele extrair o seu.

Nesse gesto vai também, por certo, alguma crítica. O risco é corrosivo. Por exemplo, na página que destaquei, o poema homenageado/cancelado diz o seguinte:

O RISCO DO BORDADO

Poesia é risco?
Rabisco de Deus
guardado num disco
ou um asterisco
ao pé do obelisco?
Confisco do fisco?
A rês desgarrada
do aprisco? Ou chuvisco
que umedece o hibisco
no jardim mourisco?

O que fez o poeta? Cancelou quase todo o poema, que é de Ledo Ivo, mantendo apenas os substantivos do título, as palavras "Poesia é" no primeiro verso; cancelou ainda o quarto verso até a metade da palavra "asterisco". E o que obteve? Obteve a primeira frase!

Ora, daqui se extrai o título do livro – que é também, como mostra a dedicatória do livro de Diego – uma homenagem a Augusto de Campos, que em 1995 apresentou a performance "Poesia é risco".

Não seria despropositado imaginar que o poema de Ivo seja um diálogo ou uma resposta a Augusto, pois integra um livro composto entre 1991 e 1995.

O poema de Ledo Ivo é um exercício algo precioso sobre as rimas em -isco. As imagens – tirando o rabisco de Deus – oscilam entre o previsível e o kitsch. O leitor do concretista poderia ter suprimido todo o poema, a partir do ponto de interrogação do primeiro verso. Mas não: ele faz o seu leitor não imaginar que o que ele fez o poema dizer já estava dito. Pelo contrário, a impressão que se tem, ante o monte de riscos, é que Diego apagou o o disfuncional para fazer o poema dizer algo novo, que não estava nele.

Diego, porém, no final das contas, não é um concretista objetivista e seco. É um pouco lírico. E por isso, nessa mesma página escreve à mão – é a única em que faz isso – e entre parênteses: "(e o futuro, bordá-lo)". Bordar o futuro, e não seguir o risco do bordado herdado... Olha só... Neste momento depois do fim de tudo, o poeta ainda tem esperança... e caligrafia...

Mas já me perco em divagações. O ponto desta breve anotação era registrar o prazer de encontrar juntas neste livro inteligência e sensibilidade, ironia e positividade, com alguma aposta no lirismo – que aqui não é culpado (nestes tempos em que o lirismo é o sparring da tropa construtivista e pós-moderna), porque, apesar de ser próprio, é desentranhado de outros.

O poema de Ledo Ivo, assaltado e cancelado para dizer a frase de Augusto de Campos, vem numa seção intitulada "O Salteador". Muito apropriado. Diego é mesmo um salteador. Assalta poemas de Lorca e outros e extrai poemas-piada à maneira oswaldiana, num arco que vai do palavrão e da celebração sexual ao mini comentário político, passando pela alusão estética. De modo que acho que o seu lema, como ator, autor e salteador poderia ser: A ironia (com alegria) é a prova dos nove.

Eu poderia extrair algumas frases que resultaram dos rabiscos de Diego. Mas nesse caso poesia é rabisco, e sem a visão do risco muito da graça se perde.

Por exemplo:

• DO AMOR teu ventre. Um colibri persa em minha boca
• UVA trovões antimatéria vidro, planta. O gosto da tua boca.
• Passava a língua sobre o amanhecer, e o amanhecer era seu corpo que ilumina manadas secretas
• Meu melhor poema erótico está na ponta da língua:
• A lua quieta e úmida na boca do peixe
• Silêncio oblíquo o alfabeto da pedra tatuado pelo rio

Estas frases/poemas ainda guardam interesse. Mas perdem o melhor da festa, que é o livro. E o livro, como disse, vale a pena.

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Em tempo, o livro saiu pelas Edições Jabuticaba, de Campinas, em 2023.

 

Haicai e zen

 Entre os muitos textos que fui postando no fórum que Edson Iura e eu criamos nos primórdios da internet, há alguns que me agradam ainda hoje.

Eles estavam escritos sem acentuação e sem cedilhas, com linhas meio aleatórias - enfiem: eram difíceis de ler.

Pedi à IA para os atualizar, e ela fez esse trabalho chatíssimo.

Aqui está um deles, animado por uma combatividade e um entusiasmo que leio com alguma simpatia.

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Entre os muitos textos que fui postando no fórum que Edson Iura e eu criamos nos primórdios da internet, há alguns que me agradam ainda hoje.
Eles estavam escritos sem acentuação e sem cedilhas, com linhas meio aleatórias - enfiem: eram difíceis de ler.
Pedi à IA para os atualizar, e ela fez esse trabalho chatíssimo.
Aqui está um deles, animado por uma combatividade e um entusiasmo que leio com alguma simpatia.

HAICAI E ZEN

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Texto de julho de 1996

Há algumas semanas, o Edson postou aqui um comentário sobre o zen no haicai, ou melhor, sobre o zen na crítica e no entendimento ocidentais do haicai. Depois, o Gabriel postou um texto que parecia uma contestação, meio oblíqua, ao Edson. E o assunto morreu. Por fora da lista, sei que há pelo menos mais uma pessoa que tem algo a dizer sobre o assunto, mas que não tem achado tempo de o fazer.

Assim, resolvi pôr a minha opinião para girar, enquanto outros não se pronunciam.

Pois bem. Acho que eu concordo e não concordo com o Edson. Concordo com ele e com o autor que citou no que diz respeito ao exagero zenista que assola o haicai fora do Japão. Tudo é zen, e fala-se indistintamente de haicai e de zen, ou de ikebana e zen, porque o que importa é esse indefinível e inatingível zen. Vi uma vez, em São Paulo, um conferencista que, depois de dizer que o zen é a base indefinível, passou a defini-lo nos termos mais bizarros: um mosquito é o zen, um beijo é o zen, o nada é o zen, isto aqui é o zen, a chuva, o sol, a poesia, o sexo, o amor, etc. Sei que alguns estão pensando que o homem era um iluminado e eu um boboca que não pude entender que o meu próprio umbigo também era o zen. Mas a minha reação foi de pasmo e depois um incontrolável ataque de riso que fez com que tivesse de sair, chorando e com dor de estômago, para gargalhar do lado de fora. E onde pensam vocês que se deu tal conferência? Num Encontro de Haicai, no Centro Cultural Vergueiro, em São Paulo. Era tudo por conta do haicai...

Quero dizer: já ouvi tanta bobagem sobre o zen quanto qualquer outro, e também me irrita essa coisa de meter a palavra em tudo. Nesse sentido, zen é, para os ouvidos, um termo pior do que "dialética", quero dizer: usado ainda mais confusa, vaga e indiscriminadamente. E obviamente tenho de concordar que é possível fazer bons haicais sem nunca ter queimado as pestanas sobre um texto de divulgação do que seja o "zen".

Também, é claro, fiquei já irritado com a identificação simplista de zen com imediatismo espontaneísta, ou com o irracionalismo.
Nesse aspecto, achei perfeito quando um monge da Terra Pura me disse, com um sorriso bastante irônico, que os homens do zen dizem que o melhor é o silêncio e que o zen não se pode definir, ao mesmo tempo em que escrevem rios de livros para dizer o que é e como é o zen.

Por outro lado, é preciso ver também que a palavra zen significa, nas várias línguas do Ocidente, alguma coisa muito diferente, muito especial.

Para nós, essa palavra tem uma história cheia de beleza. De minha parte, quando penso no zen, no conceito de zen ocidental, penso com respeito, e com emoção.

Pouco me importa, nesse nível, o que seja o zen no Oriente. Isto é, aquele particular ramo do Budismo, com tais e tais sutras como base e tais e tais patriarcas. O nosso zen é outra coisa. É aquilo que D. T. Suzuki nos ensinou? É, sem dúvida: seu Zen and Japanese Culture sempre será um livro admirável. É também aquilo que nos ensinaram todos aqueles chatos religiosos, como o intragável Taisen Deshimaru, que fez tantos prosélitos? É, sem dúvida. Isso não se discute.

Entretanto, o que me comove de verdade não é nenhum desses textos, nenhum desses missionários que vieram do Oriente para nos fazer ver o verdadeiro zen. O que me comove é o zen que foi refabricado no Ocidente, a partir das nossas necessidades e do nosso esforço de conquistar uma alteridade que nos conviesse. Estou falando, agora, de gente como Allan Watts, R. H. Blyth, E. Herrigel e tantos outros. O zen que conta para nós é o de Herrigel. Seu relato do aprendizado da arte do arco e flecha é uma maravilha. É o de Watts, esse gênio brilhante que era também um tanto charlatão e um escritor de primeira linha. Seus textos sobre o zen, bem como a sua biografia, ajudaram a moldar aquilo que depois chamamos de orientalização da contracultura. E é o de Blyth, que nos abriu os olhos para uma coisa que ele chamou de zen, mas que poderia ter chamado de qualquer outra coisa, pois a reconhecia tanto em Wordsworth quanto em Bashô; em Issa e em Shakespeare. Sua interpretação de haicais é às vezes desfocada? É, ao que dizem. Mas isso não tem importância real: em regra, seu comentário ilumina o verso que comenta e ilumina muito mais que ele: mostra a atitude que está na sua origem, defende um jeito de estar no mundo e de fazer e ler a poesia em geral.

Blyth, Watts e Herrigel chamaram de zen aquilo que encontraram ou julgaram encontrar no Oriente e que quiseram trazer para o nosso mundo. Eram educadores, reformadores. Nesse caso, a verdade do que foi o seu zen é garantida pela sua obra, pelo destino que tiveram os seus livros. Depois deles, o zen passou a fazer parte da nossa cultura, é o "nosso zen".

Aos eruditos acadêmicos, esses homens causam um esgar de desprezo. Mas quem aguenta os scholars budistas? Quem quiser tentar, assine a lista Buddha-L ou a Buddhism: ambas são de uma chatice, um pedantismo e um profissionalismo de matar. Fala-se ali de Budismo como se se falasse do cálculo de resistência de materiais. Isto é, academicamente, embalsamadamente. Para eles, é vital saber qual era o termo exato que compareceu na terceira tradução para o chinês de um dado texto sânscrito. E isso é realmente louvável, enquanto método e ciência acadêmica. Mas o que aqueles senhores têm a dizer sobre o Budismo ou sobre o zen é muito pouco e quase sempre de uma perspectiva que faz com que o seu assunto não interesse a quase mais ninguém... O zen que se mexe e que leva as pessoas a mudarem formas de ver ou de se comportar, por menores que possam ser essas mudanças, é o zen de Watts, de Blyth e de Herrigel. É o que vem revestido daquilo que talvez nem seja muito zen: a paixão.

Desse ponto de vista, portanto, discordo do tom que vem no texto transcrito pelo Edson. O haicai, para muitos, é um exercício de "zen". Desse zen ocidental, meio tingido de beatnik, meio lavado de exotismo, certamente contestador, libertador, cheirando a anos 50. Que seja! Desde que se faça boa poesia.

Por outro lado, é verdade que a maior parte dos japoneses que pratica o haiku está pouco preocupada com o zen. No Brasil, então, talvez não haja um mais que um ou dois isseis ou nisseis que façam haiku e se confessem adeptos do zen.

Compreende-se, então, o espanto com que recebem a nossa pergunta fatal sobre o zen... Compreende-se mesmo que possam revoltar-se com a insistência na ignorância.

Mas o que normalmente um ocidental quer dizer, quando fala em zen e não é apenas mais uma vítima das modas culturais, é muito menos e muito mais do que um japonês ou chinês usualmente entende pela palavra. É muito menos porque é uma palavra vaga, sem precisão histórica nem filosófica nem filológica. E é muito mais porque por ela se designa quase sempre uma grande parte do que aprendemos a reconhecer como o que é específico, do ponto de vista cultural, do Extremo-Oriente. Uma comparação grosseira: um viajante de outro planeta (a comparação tem de ser essa, porque desde o século passado o Ocidente é onipresente em nosso mundo) poderia chegar a identificar como a base da ocidentalidade o pietismo cristão. Convencido disso, poderia, por exemplo, dizer que a poesia de um sujeito confessadamente ateu era cristã, porque nela reconheceria traços culturais que provêm do universo que identificou como cristão. Estaria errado? Não acho. Eu mesmo, ora meio ateu, ora meio vagamente budista, ora coisa nenhuma claramente identificável, sei que nunca deixarei de ser cultural e psicologicamente cristão...

Métrica em Haicai

Métrica em Haicai

 

Em uma entrevista recente, George Goldberg me fez uma pergunta sobre a metrificação do haicai em português comparada com a espanhola. Considero essa uma questão relevante.

A Equivalência Problemática

Quando se imitou ou importou a forma do haiku para o português, estabeleceu-se uma equivalência entre os sons do haiku e as sílabas poéticas contadas segundo nossa tradição.

Já discuti esta questão extensamente em vários textos disponíveis neste blog, mas a observação que fiz em todos é que não há equivalência direta.

Em primeiro lugar, porque em japonês não se contam sílabas, mas "moras" — unidades de tempo na pronúncia.

Uma palavra como Bashô – que em português tem duas sílabas – tem 3 moras, pois o acento que usamos é uma simplificação do sinal de duração: shō representa duas moras. Assim também a palavra livro – hon – que em português teria uma sílaba, em japonês tem duas moras: ho-n (a nasalização vale uma mora). "Sensei", que significa professor, teria duas sílabas em português, mas em japonês tem quatro moras: se-n-se-i.

Temos de considerar ainda que em português a sílaba métrica ou poética é a sílaba pronunciada, diferente da gramatical. Por exemplo: "venha aqui" tem 4 sílabas gramaticais, mas só 3 sílabas métricas (ve-nha-qui).

A Diferença entre Espanhol e Português

Sendo assim, seria possível pensar em uma equivalência: uma mora por uma sílaba poética e, portanto, compor o haicai em versos de 5-7-5 sílabas poéticas?

Talvez, e mesmo assim de modo precário, mas somente se ainda contássemos as sílabas de cada verso como os falantes do espanhol contam.

O espanhol tem pouco menos de 80% de palavras paroxítonas (um pouco mais do que o português do Brasil). Na contagem das sílabas em poesia, então, os falantes do espanhol considream todos os versos como se terminassem em paroxítonas.

Isso também era assim em português até que, em 1851, Antônio Feliciano de Castilho propôs que contássemos à francesa, até a última tônica. Isso terminou por ser a regra em nossa língua.

Um verso como "tras la tormenta" tem 5 sílabas gramaticais e 5 sílabas poéticas em espanhol. Lido em português atualmente, teria apenas 4 sílabas poéticas, pois contaríamos só até a última tônica.

Portanto, quando em espanhol o poeta faz equivaler ao 5-7-5 japonês uma estrutura de 5-7-5 sílabas poéticas espanholas, ele muito frequentemente obtém 17 sons.

Já quando um poeta brasileiro ou português faz equivaler o 5-7-5 a dois versos de redondilha menor com um de redondilha maior entre eles, é muito provável que obtenha 20 sons.

O Problema do Formalismo Métrico

Por essa razão tenho sustentado que não considero razoável o formalismo das redondilhas, pois nem produz equivalência com o japonês, nem soa interessante aos nossos ouvidos um terceto imparissilábico baseado nos metros tradicionais.

Tanto não é interessante esse terceto que Guilherme de Almeida, que tinha grande perícia no manejo do verso e ótimo ouvido para a poesia, ao compor haicais inventou uma forma na qual as rimas criavam mais regularidade. Ele rimou os dois versos curtos, de cinco sílabas, e inseriu uma rima interna, rimando a segunda e a sétima sílabas do verso longo; obteve assim, do ponto de vista da rima, três sequências de 5 sílabas.

Do meu ponto de vista, mais importante do que a contagem das sílabas é a justaposição. Isto é, que o haicai contenha apenas duas frases: uma delas ocupando as duas primeiras ou as duas últimas , e outra a que restar. Essa já é outra história, mas uma história que importa para a escolha da forma de contar.

De modo geral, por isso tudo, prefiro não me ater a uma forma métrica rígida, mas apenas manter a brevidade: algo em torno de 17 sílabas divididas em 3 linhas.

Voltando ao ponto central deste texto, que é a possível ou impossível equivalência "mora"/sílaba poética... e esclarecendo os conceitos.

A forma espanhola de contar sílabas é idêntica à que era praticada em português antigamente: todos os versos são considerados como se terminassem em paroxítonas, independentemente de as palavras finais serem monossílabos tônicos, oxítonas ou proparoxítonas. Assim, ao traduzir um haicai para o espanhol usando a estrutura 5-7-5, obtêm-se, na maioria das vezes, 17 sílabas totais.

Em português, ao menos um tradutor levou isso em consideração e considerou o número total de sílabas do verso, à maneira antiga portuguesa. Nesse caso, os haicais têm maior possibilidade de totalizar 17 sílabas. Refiro-me a José Lira, no livro "As Cinco Estações – Os Haicais de Bashô".

Ao examinar as traduções de Lira, percebe-se claramente seu esforço para manter a contagem à moda antiga. A enorme maioria dos haicais de Bashô foram vertidos em versos que teriam, na contagem moderna, 4-6-4 sílabas, mas que, na verdade, têm 17 sílabas poéticas, que ele faz equivaler às 17 moras japonesas.

Do ponto de vista da sonoridade, considero que a solução de Lira é superior à normalmente adotada por aqueles que valorizam a métrica na produção e tradução de haicais. O texto flui melhor e, para o ouvido, muitas vezes parece tratar-se de um decassílabo acompanhado de seu quebrado (termo usado para designar versos que se combinam com um verso maior).

Sobre História da Metrificação em Português

Para compreender melhor a versificação e a forma de descrever o metro em espanhol e português, retomemos a questão por meio de alguns exemplos. Assim estaremos mais preparados para pensar de que forma se consegue melhor um equivalente para o esquema de 5-7-5 durações japonesas: 17 "sílabas" japonesas = 17 sílabas poéticas na língua de chegada.

Até a metade do século XIX, havia duas formas de metrificar nas línguas latinas. Uma era a do espanhol, português e italiano. Outra, a do francês.

Em italiano, espanhol e português (porque há muitas palavras paroxítonas nessas línguas) o verso era metrificado como se sempre terminasse com palavras desse tipo. Em francês, o padrão era a terminação em oxítona.

Exemplos Comparativos

Em italiano:

"per amore" – 4 sílabas gramaticais e 4 sílabas métricas
"il caffè" – 3 sílabas gramaticais, mas 4 sílabas métricas (porque o verso é imaginado como se terminasse em paroxítona)
"questo numero" – 5 sílabas gramaticais, mas 4 sílabas métricas (porque o verso é imaginado como se terminasse em paroxítona)

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Em espanhol:

"la ventana" – 4 sílabas gramaticais e 4 sílabas métricas
"el café" – 3 sílabas gramaticais, mas 4 sílabas métricas (porque o verso é imaginado como se terminasse em paroxítona)
"este número" – 5 sílabas gramaticais, mas 4 sílabas métricas (porque o verso é imaginado como se terminasse em paroxítona)

Em português até 1851:

"a janela" – 4 sílabas gramaticais e 4 sílabas métricas
"o café" – 3 sílabas gramaticais, mas 4 sílabas métricas (porque o verso era imaginado como se terminasse em paroxítona)
"este número" – 5 sílabas gramaticais, mas 4 sílabas métricas (porque o verso era imaginado como se terminasse em paroxítona)

Em português, depois de 1851, seguindo o modelo francês:

"a janela" – 4 sílabas gramaticais e 3 sílabas métricas (despreza-se o que vier depois da tônica)
"o café" – 3 sílabas gramaticais e 3 sílabas métricas
"este número" – 5 sílabas gramaticais, mas 3 sílabas métricas (despreza-se o que vier depois da tônica)

Conclusão

Portanto, agora podemos ver com mais clareza que aferrar-se ao número não resolve a questão, pois 5-7-5 sílabas métricas/poéticas quer dizer uma coisa em português antigo e outra em português moderno; e uma coisa semelhante ao português antigo no italiano e no espanhol.

Vemos também que, se o haicai tivesse sido objeto de adaptação antes de Castilho resolver imitar os franceses na forma de contar as sílabas de um verso, é quase certo que ele seria adaptado com versos que hoje chamaríamos de tetrassílabos (4) e hexassílabos (6).

Portanto, fincar pé na estrutura do haicai como 5-7-5 poéticas contadas à maneira moderna em português não tem muito a ver com fidelidade ao original, mas sim com o desejo de venerar a tradição dos pioneiros que, no fim do século XIX e começo do século XX, assim trataram de supor a equivalência.